HISTORIA DA MUSICA

História Música
A história da música é o estudo da evolução que a música sofreu ao longo dos anos, como também o conjunto de processos que acarretaram todas as mudanças. Por um lado, existe a disciplina de estudo que se insere dentro da Musicologia histórica, por outro, temos o resultado de dados e interpretações feitas por musicólogos e outros pesquisadores.

HISTORIA DA MUSICA
HISTORIA DA MUSICA

A disciplina que estuda a evolução da musica no decorrer dos tempos é chamado de historiografia da música.

História da Música Como Disciplina

A disciplina, teoricamente, a história da música poderia ter sido considerada uma parte da história da arte, mas esta, na maioria dos casos, circunscreveu-se às artes plásticas, por outro lado, o mesmo material historia é suficientemente diversificada para muitos caminhos diversos.

Em amplo sentido, a história da música pode ser referida, aos aspectos ou elementos que façam parte dos fenômenos musicais na cultura ou sociedade. Para isso, é estudado a composição de obras, interpretações, transmissões, teorização e críticas, além dos grandes destaques.

Como concretizações de alguns destes aspectos, estuda a evolução dos instrumentos, dos agrupamentos e das tradições interpretativas, assim como as formas de ensino e de aprendizagem.

História da Música

Como a história da música entende a música como parte de um sistema cultural, requer, igualmente, o estudo de todos os outros elementos, alguns deles não especificamente musicais, que permitem inserir cada música em seu contexto, histórico cultural.

Neste sentido são importantes os estudos biográficos que permitem, frequentemente, não só contextualizar e entender significado das produções musicais, como também identificar a diferenciação destas.

Exclusões

A historia musica
A historia musica

Desde o seu início do século XVIII, a evolução do estudo da música tem-se debruçado quase exclusivamente na música clássica europeia. Desta forma, tradicionalmente, a historização da música hindu e considerada mais uma etnomusicologia, e que a história do rock esteve inserada no campo dos estudos culturais.

Estas foram algumas limitações importantes da história da música, mas não as únicas. Uma parte dos historiadores da música clássica europeia tem ideias apriorísticas muito limitadas.

A historia da musica não foi abordado de forma ampla o conceito de música, englobando todos os processos humanos que tornam a existência da música possível, por outro lado, foi algumas vezes concentrado na evolução das composições, fazendo com que assim a história da composição e dos principais compositores.

o resultado, foi que por muitas vezes a história da música acabou sendo uma história dos estilos das composições com uma atenção preferencial à evolução das formas musicais e das técnicas composicionais, contextualizada socialmente nos melhores dos casos.

O século XIX, e o romantismo, com seu olhar para o passado, deu um impulso muito notável na história da música nascida no século anterior no contexto do Iluminismo. O Romantismo (e mais tarde o positivismo) impulsionou estudos históricos musicais disseminados pelo conceito do gênio, e em rigidez do gênio criador, compositor.

O principal ponto de interesse eram as obras musical da época, e a análise aplicando a ideologia da obra de arte autônoma, considerava obras-primas do passado, e por extensão, as biografias de seus autores.

Por isso, ao longo de boa parte do século XIX e do século XX, a história da música (clássica europeia) tem sido, uma história da composição e compositores, com uma dedicação menor não só a outros fenômenos que influenciaram, mas também às implicações sociais e culturais completas e reais destes processos de composição.

Também por isso, muitas vezes, esta regra se sentiu mais atraída pelo estudo de fenômenos minoritários que implicavam músicas que a teoria musical e a análise musical consideravam ‘de boa qualidade’, do que pelo estudo de outros fenômenos com mais relevância na sociedade, assim foram referidos como produtos musicais que não tivessem deste prestígio.

Isso explica que a história da música do século XX passe muito mais frequentemente por Arnold Schönberg ou Ígor Stravinski, por colocar alguns exemplos, do que por pop e rock. Embora ao longo do século XX existam exemplos de estudos de história da música feitos com uma visão mais ampla, é verdade que a simbiose de disciplinas como a Etnopsicologia e os estudos culturais com a Musicologia histórica fez com que uma parte significativa dos estudos de história da música nas últimas décadas fosse realizada com um alcance muito mais amplo, e que mais estudos de história da música popular fossem levantados.

O autor Susan McClary observou que muitas vezes parecia que os posicionamentos pós-modernos e críticos que permearam em outras disciplinas das ciências sociais não conseguiam fazer o mesmo na história da música, e que os avanços metodológicos muitas vezes se generalizavam, quando em outras ciências sociais já eram ultrapassados por outros posicionamentos ainda mais atualizados. E isso é mais uma consequência da ideologia da obra de arte autônoma.

Métodos

Os métodos e ferramentas da história da música são quase tão diversos quanto seus temas de estudo. Incluem o estudo de fontes documentais originais e a aplicação de metodologias diversas para avaliá-las, interpretá-las e tirar conclusões.

História da Música Resumo

As fontes documentais são de natureza muito diversa, tanto ao seu conteúdo como aos escritos.

Quanto ao escrito, trata-se sobretudo de documentação escrita (sobre papel, pergaminho ou outros meios), mas também retábulos ou outros lugares onde se possam encontrar representações iconográficas que aportem informação sobre instrumentos (como são, como se tocam, como são combinados…), sobre a interpretação musical, etc. sem esquecer os suportes sonoros e videográficos quando se trata da história de música bem recente (CD, DVD, DVD).

Paralelamente, a história da música tem a preocupação que os arquivos onde as fontes são salvas fossem localizáveis e consultáveis.

Quanto ao tipo de informação que contêm estas fontes, é também muito diversa: partituras (sejam manuscritas pelo mesmo compositor ou primeiras edições, nas quais, frequentemente, há que aplicar conhecimentos de Paleografia musical); representações de instrumentos e / ou de interpretações; documentação privada (diários, crônicas, cartas)); normativa; biografias; documentação econômica diversa (contratos, compra e venda…); testamentos; imprensa (programas, críticas, críticas); tratados teóricos ou didáticos, etc.

O historiador da música aplica a estas fontes metodologias diversas de análise, algumas mais próximas da história, como por exemplo quando trabalha com contratos ou testamentos, ou mais específicas da música como por exemplo as da análise musical quando trabalha com uma partitura ou deve poder decifrar até que ponto é plausível uma representação iconográfica.

Desta forma, os especialistas da história da música elaboram monografias que podem falar sobre aspectos muito muito diversos.

Aqui estão alguns exemplos: História de uma instituição ou de um grupo musical; a música em um centro cultural (uma corte, uma região, uma cidade) ou um período; evolução da música para um instrumento, ou para um grupo de instrumentos, ou para um agrupamento (a orquestra…); a prática interpretativa em um período e lugares concretos: formas de interpretar (instrumentos, articulação, ornamentação, tempos), funções, significados, circunstâncias, repertórios, para quem…); a evolução de um gênero (a sinfonia, a ópera concretas) em coordenadas geográficas e / ou cronológicas concretas; a história de um estilo (todo ou numa zona concreta); a produção de um compositor (possivelmente ligada à sua biografia); a incidência de uma invenção (a rádio, …) na cultura musical de um grupo humano; biografias de autores e / ou intérpretes; a difusão de um estilo, um gênero ou uma forma musical além do lugar e momento de origem com as correspondentes transformações; a produção de um grupo de músicos com ataduras estilísticas (escola); a evolução de uma forma de interpretação; a evolução dos aspectos profissionais e contratuais do músico, etc. Também elaboram edições críticas de obras de outros momentos históricos.

Pedagogia
A história da música ocupa um lugar importante no ensino e aprendizagem da música; em muitos casos, é a única abordagem à música de fora da mesma disciplina, e com a metodologia de outra ciência (a história).

Há elementos de cronologia da música do passado para os currículos do Ensino Fundamental e médio obrigatório, bem como o ensino médio. Há também nos currículos dos conservatórios de grau profissional; Há nos currículos de muitas escolas de música que muitas vezes adaptaram alguns elementos dos currículos oficiais dos conservatórios.

Na maioria dos casos estas disciplinas servem mais para organizar sobre os repertórios, do que os sistemas, entende-se que o aluno deve conhecer para entender o que é realmente.

A todos estes tipos de ensinamentos converte quase a única aproximação externa à música, rejeitando-se outros como poderiam ser desde a sociologia, a antropologia ou a geografia.

No ensino superior-concretamente aos ensinos universitários de musicologia e ao grau superior de música, mantém-se a presença das disciplinas de história da música, com duas diferenças em relação aos estádios anteriores; por um lado, um maior grau de aprofundamento faz com que as disciplinas se dediquem a trechos concretos desta história (história da música medieval, da música do século XVII,…) e às vezes-especialmente nos pós-graduação se dediquem a circunstâncias concretas; por outro, e especialmente aos estudos superiores de música, a história da música deixa de ser a aproximação preferencial à música a partir da metodologia de outro campo disciplinar e aparecem outras disciplinas como a sociologia, etc.

A história da música como evolução da música
Um dos resultados importantes do estudo realizado pela Musicologia histórica é a periodização da história da música. Esta, foi realizada aplicando os critérios, limites e métodos acima mencionados, com conexões desiguais com a história geral e com a história da arte, e estabelecendo algumas faixas que. em muitos casos, eles são dados principalmente por elementos de estilo .

Música pré-histórica
O desenvolvimento da música entre os seres humanos aconteceu com o pano de fundo dos sons naturais do ambiente. Possivelmente foi influenciado pelos cantos dos pássaros e pelos sons que outros animais usam para se comunicar.

música pré-histórica

Alguns biólogos teorizaram que a capacidade de reconhecer sons Não criados por humanos que poderíamos considerar “musicais” fornece uma vantagem seletiva. (Ver Música animal).

A música pré-histórica, habitualmente chamada de música primitiva, é o nome dado a toda a música produzida em culturas pré-literárias, atividade iniciada em algum lugar incerto e em um passado muito distante.

A música indígena americana e aborígene australiano poderia ser chamado Pré-Histórica por suas características, mas o termo é usado para se referir à música europeia anterior ao desenvolvimento da escrita.

É mais comum denominar a música “pré-histórica” dos continentes não europeus, especialmente a que ainda existe hoje, música folclórica, étnica ou tradicional.

Música da antiguidade
Considera-se que a pré-história concluiu com o desenvolvimento da escrita e, portanto, também a música que se produzia. A música da antiguidade é o nome com o qual se chama a atividade musical realizada durante o idade antiga .

A música mais antiga que foi encontrada é escrita em grafia cuneiforme; foi encontrada em Ur, e data do ano 4000 aC. Foi decifrada pela professora Anne Draffkorn Kilmer, da Universidade de Berkeley (Califórnia), e demonstrou ser composta em harmonias com intervalos de terceiros, como os antigos gymel ingleses, e utilizavam a afinação pitagórica do escala diatônica .

Há desenhos em vasos e paredes de instrumentos de sopro com dois tubos, como os usados pelos gregos, e gaitas de foles antigas. Também encontramos escritos, como os de Aristóteles (Problemas, livro XIX.12) que descrevem técnicas musicais da época, indicando algum tipo de polifonia.

Instrumentos como a flauta de sete buracos e vários tipos de instrumentos de cordas foram recuperados nos sítios arqueológicos da civilização do Vale do Indo.

A música clássica indiana (marga) encontra-se recolhida nas escrituras da tradição hindu, os Vedas . No Samaveda, um dos quatro vedas, a música antiga hindu é amplamente descrita.

Tradições clássicas
A música clássica é um termo amplo, um pouco impreciso. Uma música é clássica se incluir algumas das seguintes características: uma tradição aprendida, apoio da igreja ou da corte, ou de um grande capital cultural. A música clássica também é descrita como complexa, duradoura, transcendente e abstrata.

Em muitas culturas a tradição clássica coexiste com a música tradicional ou popular, ocasionalmente por milhares de anos, e com níveis diferentes de intercâmbio mútuo com a tradição paralela.

Ásia
Por zonas, a música asiática abrange fundamentalmente as culturas musicais da Arábia, Ásia Central, Leste Da Ásia Oriental, Sul Da Ásia, e Sudeste Asiático.

Índia
A música indiana é uma das tradições musicais mais antigas do mundo. A civilização do Vale do Indo tem esculturas onde shows de dança são retratados e instrumentos musicais antigos aparecem, como a flauta de sete buracos.

Vários tipos de instrumentos de cordas e tambores foram recuperados em escavações feitas por Sir Mortimer Wheeler em Harappa e Mohenjo-Daro.

O Rigveda apresenta elementos de música hindu atual, com uma notação musical indicando a métrica e a maneira de cantar. A antiga tradição musical hindu também fala de três acentos e de uma música vocal conhecida como “Samagan” ( sama significa melodia e Gan a maneira de cantar).

As origens da música clássica Hindu estão descritas em um dos resumos literários mais antigos, as Vedas. No Samaveda, um dos quatro vedas, a música é descrita em detalhes.

A música clássica Hindu inclui as duas grandes tradições da música carnática do Sul e da música clássica idioma Hindustani do norte. Essas tradições são milenares e se desenvolveram ao longo de grandes períodos; atualmente permanecem vivas e são fundamentais na vida dos hindus como fonte de inspiração religiosa, expressão cultural e entretenimento.

A música clássica Hindu (marga ) é monofônica, e é baseada em uma linha melódica modal única ou rāga, que é ritmicamente organizada por talas. A música carnática é em grande parte dedicada ao culto religioso; a maioria das músicas é dirigida às divindades hindus.

Mas também há muitas músicas amorosas e que tratam de vários temas sociais.

Em contraste com a música carnática, a música Hindustani não é apenas influenciada pelas antigas tradições musicais, pela filosofia védica e pelos sons dos nativos, mas também pelas Práticas Interpretativas persas, os mongóis afegãos.

China
A música clássica chinesa é a arte tradicional ou da corte de China. Tem uma longa história que remonta a mais de 3.000 anos de existência. Tem seus próprios sistemas de notação musical, um determinado sistema de afinação, alturas, instrumentos musicais e estilos ou gêneros musicais.

A música chinesa é pentatônica-diatônica, tendo uma escala de doze notas em uma oitava (5 + 7 = 12), como na música europeia.

Pérsia
A música persa é a música da Pérsia e dos países de língua persa . Musiq, é a ciência e a arte da música, e Muzik, o som e a interpretação da música. Os iranianos antigos atribuíam grande importância à música e à poesia, como ainda fazem hoje.

Europa
A música clássica europeia é um termo um pouco largo, e faz referência à música produzida pelas tradições artísticas na Europa, especialmente entre 1000 e 1900, embora a denominação de “música clássica” continue a ser aplicada às composições dos séculos XX e XXI que surgem desta tradição. A fundamentação teórica desta tradição foi desenvolvida entre 1550 e 1825.

Grécia
Uma parte importante da história escrita da Grécia antiga foi dedicada ao antigo Teatro grego, no qual os corações se apresentavam em atos de entretenimento e celebrações religiosas.

Entre os instrumentos musicais que os acompanhavam estava o aulos, de cana dupla, e um tipo de Lira, instrumento de corda pinçado: a cítara.

A música teve um papel importante na educação dos indivíduos, e os meninos foram ensinados a partir dos seis anos de idade. Esta alfabetização musical geral favoreceu um desenvolvimento musical muito sólido com forte fundamentação teórica.

Os modos musicais gregos se tornariam a base da música religiosa ocidental e, por extensão, da música clássica . Quanto à música grega posterior, ele recebeu as influências do Império Romano, das culturas da Europa Oriental e dos séculos de domínio do Império bizantino .

No século XIX compositores de ópera como Nikolaos Mantzaros (1795-1872), entre outros, revitalizar a música clássica grega.

Música ocidental
Os principais centros de produção (composição e interpretação ) da música à qual a história da música dedicou sua atenção preferencial foram, durante a Idade Média, os mosteiros, aos quais se somaram as grandes catedrais a partir do século XII, as cortes nobiliárias ; mais tarde foi às cidades onde se concentrou o mais inovador e intenso da vida musical.

Embora durante a alta Idade Média houvesse bastante atividade musical como se segue, entre outras coisas, das descrições artísticas de instrumentos musicais e de escritos sobre música, o único repertório de música que sobreviveu antes de 800 é a música litúrgica de canto nivelado da Igreja Católica Romana, majoritariamente o canto gregoriano e outros cantos de alcance geográfico e temporal menor.

O Papa Gregório I deu seu nome a esse tipo de repertório musical, e pode ter sido ele mesmo um dos compositores. É geralmente afirmado que ele foi o criador desta parte musical da liturgia em sua forma atual, embora as fontes que dão detalhes de sua contribuição sejam mais de cem anos após sua morte; muitos estudiosos acreditam que sua reputação foi exagerada.

A maior parte deste repertório de canto foi anonimamente composta durante os séculos que vão desde o tempo de Gregório até o de Carlos Magno .

Durante o século IX, ocorreram três fatos especialmente significativos:

A acção unificadora, por parte da Igreja Católica, das diversas tradições litúrgicas e de canto religioso, suprimindo muitas delas em favor da liturgia gregoriana e do canto gregoriano.
O surgimento da polifonia, nomeadamente do organum, um tipo de polifonia em movimento paralelo.
A reinvenção da notação musical. Este fato é de uma transcendência especial na história da música.
Após um lapso de cerca de 500 anos, as grafias musicais eram reutilizadas, embora ainda fosse necessário que mais alguns séculos passassem antes que o sistema de notação determinasse com mais precisão a duração ( ritmo ) e a altura ( tom ).

A partir de 1100 várias escolas de polifonia musical apareceram:

A escola de organum de St. Martial, com uma música muitas vezes caracterizada pelo movimento rápido de uma voz sobre uma linha melódica simples e mantida.
A escola de Notre-Dame, com os compositores Léonin e Pérotin que, por volta de 1200, já produzia a primeira música polifônica, para mais de duas vozes.
A tradição musical de Santiago De Compostela, na Galiza, um grande centro de peregrinação e um lugar onde convergiram artistas de muitas culturas diferentes; sua música sobreviveu no Codex
A escola inglesa, a música de que durou no Worcester fragmentos e no Old Hall Manuscript.
Junto a estas escolas de música sacra, também existia e se desenvolvia uma viva tradição de canto secular, exemplificada na música dos trovadores, trouvères e minnesänger, e de música de dança, tanto vocal como instrumental.

As principais formas da música sacra polifônica que se desenvolveram até o final do século XIII incluíam o motete, o conductus, o Discant e a cláusula. Um desenvolvimento incomum foram o Geisslerlieder, música de grupos de flagelantes que vagavam pela Europa especialmente por dois períodos:

Durante a Grande Peste Negra, cerca de 1350, e nos anos seguintes. Esta música, que misturava o estilo da canção popular com textos penitentes ou apocalípticos, ficou bem gravada com a correspondente Notação musical.

No século XIV dominou o estilo do Ars nova, que por convenção está incluído na era medieval da música, embora tivesse muito em comum com os ideais e a estética do primeiro Renascimento.

MUSICOS
MUSICOS

É uma música muito mais ligada ao mundo urbano; muita da música que sobrevive deste Epoch é secular, e tende a usar formulários ajustados: a balada, o virolai, o lai, o rondeau, que correspondem às estruturas formais poéticas dos mesmos nomes.

Muitas dessas peças são compostas de uma a três vozes, provavelmente com o acompanhamento instrumental: os compositores mais famosos foram Guillaume de Machaut e Francesco Landini .

Paralelamente, continuava a existir uma música monódica tanto ao canto litúrgico como à música profana de dança.

Música do Renascimento
O início do Renascimento na música, e ao contrário das artes plásticas não é tão bem delimitado no tempo, nem ocorre na Itália, mas faz mais para o noroeste da Europa, na área que atualmente compreende o norte e centro da França, Holanda e Bélgica, nem pretende um verdadeiro re-nascimento da antiguidade clássica.

Neste período, Os principais centros nobiliários e as grandes catedrais dotaram-se de capelas nas quais se reuniam compositores, cantores e instrumentistas; cada centro procurava, na medida das suas possibilidades, os melhores músicos.

O estilo dos compositores da Borgonha, a primeira geração da escola francoflamenca, representou-o início-uma reação à ue foi considerada excessiva complexidade e artificialidade do estilo do final do século XIV, o Ars subtilior.

Este estilo foi caracterizado por um tipo de melodia clara e polifonia equilibrada em todas as vozes usando o contraponto imitativo. Os compositores mais famosos da Escola Borgonhesa meados do século XV foram Guillaume Dufay, Gilles Binchois e Antoine Busnois .

Em meados do século XV, compositores e cantores dos Países Baixos e áreas adjacentes começaram a ser reivindicados para trabalhar em toda a Europa, especialmente na Itália, onde eram contratados na capela Pontifícia em Roma, e pelos grandes aristocratas e patronos das artes, como os Medici em Florença, os Leste em Ferrara, e os Sforza em Milão.

Lá onde eles iam, eles espalhavam seu estilo de polifonia que poderia ser usado tanto na música sacra quanto na secular . Os principais gêneros da música sacra da época eram a missa e o motete; as formas seculares incluíam a chanson, a frottola e, mais tarde, o madrigal .

A invenção da imprensa teve grande importância na disseminação dos estilos musicais e na difusão da música e do estilo francoflamenca por toda a Europa; contribuiu para o estabelecimento do primeiro estilo verdadeiramente internacional da música europeia desde a unificação do canto gregoriano na época de Carlos Magno, 700 anos antes.

Outros compositores da escola francoflamenca foram:

Johannes Ockeghem, que escrevia música em um estilo contrapuntístico bastante complexo, com uma textura variada e um uso elaborado os mecanismos canônicos.

Jacob Obrecht, um dos compositores de missas mais famosos do final do século XV.

Josquin Desprez, provavelmente o compositor mais famoso da Europa antes de Palestrina; durante o século XVI ele tinha a fama de ser um dos melhores criadores em qualquer forma musical.

A música da geração pós-Josquin Desprez desenvolveu a complexidade do contraponto; possivelmente o exemplo mais relevante dessa tendência foi a música de Nicolas Gombert. Seu elaborado contraponto influenciou as composições do que seria o início da música instrumental, com formas como a canzona e o ricercare, que desembocariam na fuga barroca.

Em meados do século XVI, o estilo internacional começou a se decompor, e surgiram várias novas tendências estilísticas, bastante diversas. Fundamentalmente deve ser enfatizado:

Uma tendência para a simplicidade na música sacra, impulsionada pela Contra-Reforma do Concílio de Trento, e exemplificada na austera perfeição da música de Giovanni Pierluigi da Palestrina;
Uma tendência para a complexidade e o aumento do cromatismo no madrigal, que culminou no estilo de vanguarda da Escola de Ferrara de Luzzaschi, e do último grande madrigalista do século, Carlo Gesualdo.

Uma música grandiosa, de larga sonoridade, do escola veneziana, que aproveitava a arquitetura da Basílica São Marcos de Veneza para criar uma música de grandes contrastes.

Claudio Monteverdi (Bernardo Strozzi, 1640)
Claudio Monteverdi
(Bernardo Strozzi, 1640)
A música da escola veneziana traz à música do final do século XVI e primeiros anos do XVII um sentido marcante do luxo e da abundância de recursos, a policoralidade, a especulação tímbrica e a instrumentação, o gosto pela ornamentação e o uso do baixo contínuo . Muitos desses elementos foram transferidos para a música barroca.

Entre os compositores mais famosos desta escola deve-se citar Andrea e Giovanni Gabrieli, e Claudio Monteverdi, um dos inovadores mais significativos do final do período.

Inglaterra, Espanha, Alemanha e França
No final do século XVI, existiam tradições musicais ativas e bem diferenciadas em diferentes lugares da Europa:

Na Inglaterra destacam-se compositores como Thomas Tallis e William Byrd, que escreviam música sacra com técnicas semelhantes às do continente mas com um sabor bem inglês, e um grupo ativo de madrigalista como Thomas Morley e Thomas Weelkes, que adaptaram a forma italiana a gostos ingleses.

Na Espanha, foram desenvolvidos estilos instrumentais e vocais próprios. Tomás Luis de Victoria compunha música com um refinamento semelhante ao de Palestrina; vários compositores escreveram abundante música para Viola de mão ( vihuela ) sozinha ou com voz.

Na Alemanha, cultivavam-se formas polifônicas construídas a partir dos corais protestantes que foram substituir o canto gregoriano próprio do catolicismo. Além disso, importaram o estilo da escola Venetian que definiria o começo do Barroco musical.

Além disso, os compositores alemães escreveram grandes quantidades de música para órgão, estabelecendo as bases para o grande desenvolvimento do órgão barroco que culminaria com o trabalho de JS Bach.

A França desenvolveu um estilo único de dicção musical conhecido como música medida, e que foi usado em canções seculares. Um dos compositores mais relevantes foi Claude Le Jeune.

Os primórdios da ópera
Um dos movimentos mais revolucionários da época se desenvolveria em Florença durante os anos 1570 e 1580, sob o impulso inovador da Camerata florentina que, ironicamente, tinha uma vontade reacionária. Seus membros, descontentes com a música do momento, pretendiam restaurar a música da Grécia antiga.

Dois dos compositores var mais representativos ser Vincenzo Galilei, o pai de Galileu, e Giulio Caccini. As consequências de sua ação foi a consolidação de um estilo de canto declamado muito melódico, conhecido como monodia, e da correspondente forma dramática, que era encenada, forma que posteriormente se conheceria com o nome de ópera.

As primeiras óperas, escritas por volta de 1600, também servem para delimitar o fim do Renascimento e o início do Barroco musical.

Outros elementos da música renascentista
A música anterior a 1600 era mais modal que tonal. As contribuições de teóricos da música do final do século XVI, especialmente de Gioseffo Zarlino e Franchinus Gaffurius, abriram as portas para o desenvolvimento da tonalidade na prática musical.

As escalas maiores e menores começavam a predominar sobre os antigos modos eclesiásticos, inicialmente de maneira óbvia nas cadências, e estendendo-se progressivamente a toda a obra.

Um refere-se frequentemente a música pós-1600, que é quando a música tonal e o Barroco musical aparecem, com o nome de música clássica .

Paralelamente à música vocal, preponderante na época, a música instrumental polifônica teve um primeiro período de esplendor, sobretudo graças à música de dança (majoritariamente homofônica, aos tratados didáticos, e os gêneros intrinsecamente instrumentais de alguma forma derivados dos vocais.

Música do Barroco
No Barroco, os grandes focos de música polifônica e concertando continuaram a ser as cortes Reais e as casas nobres, e os principais templos das grandes cidades europeias.

Continuando uma tradição já iniciada no século XVI esperava-se do nobre que não só apreciasse a música que ouvia mas que, ao mesmo tempo soubesse tocar algum instrumento e/ou cantar ‘, o que foi determinante para que a música alcançasse o status que teve no Barroco.

O contraponto e a melodia acompanhada eram dois traços característicos (ao mesmo tempo que, até certo ponto, antagônicos) tanto na música instrumental quanto na vogal. Neste último terreno, foi a ópera o gênero e a forma musical de mais transcendência, tanto para a produção em si como pela influência em outros gêneros como o oratório .

Uma vez criados, no Renascimento os primeiros gêneros da música instrumental, esta começa, no Barroco, um processo de aumento gradual de protagonismo que deveria continuar ainda: os públicos se interessaram mais, os compositores se tiveram mais dedicação, e se definiram algumas das formas musicais mais básicas como os diversos tipos de sonata e de concerto .

A maioria dos gêneros implicava a presença do baixo contínuo, um baixo criado pelo compositor e a partir do qual o intérprete resolvia – improvisando a harmonia que estava implícita, muitas vezes com complexos jogos contrapuntísticos.

O teclado, especialmente o chave, era o instrumento dominante, e com a chegada da afinação temperada abriam possibilidades para tocar em todas as tonalidades.

O baixo contínuo é um dos traços característicos do Barroco e era realizado de forma habitual por um teclado (cravo ou órgão, ou às vezes um alaúde), e um instrumento grave, como uma viola da gamba ou um Fagote.

Os compositores mais relevantes foram Johann, George Frideric Handel, e Antonio Vivaldi, acima de muitos outros autores proeminentes, alguns com grande produção, difusão e influência.

Classicismo musical
A música do Classicismo caracteriza – se por um estilo muito mais fácil de entender do que o Barroco: uma textura homofônica, o recurso frequente à melodia com acompanhamento (embora se mantivesse o uso do contraponto como elemento decorativo, muitas vezes incorporado ao final de uma obra, ou pontualmente como o mecanismo compositivo de um movimento único), melodias que tendiam a ser muito cantáveis, frases muito simétricas, e estruturas formais muito fechadas e força rígidas.

O notável crescimento da música instrumental (sobretudo com invenções de tanta projeção como o piano, a orquestra, a forma sonata e a Sinfonia ) não encurralou a ópera, que se continuou a desenvolver, especialmente no formato de ópera bufa e de outros gêneros próximas, alguns nas línguas nativas de cada território.

Deve-se lembrar que até aquele momento as óperas eram geralmente cantadas em italiano .

Padrões simples, como arpejos e, na música para piano, o baixo de Alberti (um acompanhamento com um típico padrão repetitivo na mão esquerda) eram usados para animar o movimento de uma obra sem criar vozes adicionais que pudessem gerar confusão .

A música instrumental, muito inovadora, era dominada por vários gêneros bem definidos, especialmente pela sonata e pelo Quarteto de cordas na música de câmara, e pela sinfonia, e pelo concerto no orquestral.

Os três usam o que posteriormente (já no Romantismo chamaria de forma sonata, que amadureceu durante o Classicismo para se tornar o principal elemento estrutural para compor música instrumental durante o século XIX.

Embora a musicologia alemã tenha colocado a ênfase no papel que a Escola de Mannheim (com compositores como Johann Stamitz e Carl Stamitz ) teve na configuração do estilo clássico, não devemos menosprezar a influência dos operistas italianos.

O grande configurador do estilo clássico maduro, no entanto, foi Joseph Haydn . Wolfgang Amadeus Mozart foi a figura capital deste período, e um gênio excepcional; sua produção, quantidade e variada, abrange todos os gêneros e, de alguma forma, define a percepção que temos do que é o Classicismo musical.

Ludwig van Beethoven e Franz Schubert seriam os compositores que se encarregariam da transição para o romantismo, estilo que iniciariam expandindo as possibilidades criativas dos gêneros, formas e funções existentes na música daquela época.

Música do Romantismo
A música do Romantismo tem uma ligação com o resto das facetas do pensamento e da cultura (especialmente a literatura e a filosofia ) da época possivelmente superior à de outros períodos. A composição empreende uma busca de expressividade e de emoção que leva a uma flexibilização das formas musicais emanadas do Classicismo.

Entre os primeiros compositores mais famosos da primeira época podem ser destacados: Rossini, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini e Berlioz, além de Schubert e Beethoven.

Na segunda metade do século XIX, houve uma expansão das dimensões da orquestra, e a consolidação do concerto como uma atividade relevante no âmbito cultural e social. Os grandes focos de produção musical são as grandes cidades onde habita um público, maioritariamente burguês, que integrou a assistência ao concerto como um hábito.

A necessidade de poder meter cada vez mais público num concerto fez crescer as dimensões de salas de concerto, o que provocou o aumento do volume de som da Orquestra algo que só se podia obter com mais instrumentos, especialmente de instrumento de metal, que a Revolução industrial tinha permitido desenvolver.

Nesta época, eles destacaram compositores como Johann Strauss, Brahms, Liszt, Bizet, Tchaikovsky, Verdi e Wagner .

Entre 1890 e 1910, pode-se considerar a existência de uma terceira geração de compositores com estilos muito diversificados, mas que ainda têm uma certa relação, mais próxima ou distante, com o romantismo.

Debussy, Mahler, Richard Strauss ou Puccini, constroem suas composições das de seus predecessores e, algumas delas, criam obras mais complexas e muitas vezes muito mais longas. Outras figuras proeminentes são Ravel, Rachmaninov e Elgar. Alguns deles são considerados pós-Romanos

Em concordância com os movimentos sociais existentes, um bom número de compositores se desvincularam da corrente geral de predominância germânica e reivindicar elementos próprios de seus países.

No caso dos autores que usaram elementos de seus respectivos folclores, eles foram conhecidos como compositores nacionalistas, movimento que na Europa lideraram compositores como Smetana, Dvorak, Sibelius e Grieg . No âmbito catalão e espanhol, destaca-se a figura de Pedrell, e compositores da estatura de Albéniz, Granados, Tárrega.

Música do século XX
No século XX, houve uma revolução nas artes em geral, e na música em particular. A busca da Liberdade e da experimentação na criação no sentido mais amplo do termo levou ao surgimento de estilos musicais totalmente novos que desafiavam e muitas vezes quebravam as regras musicais aceitas em períodos anteriores.

Nesta dinâmica inovadora destacam-se, entre outros, compositores como Stravinsky, Schönberg, Berg e Shostakovich .

A invenção de instrumentos eletrônicos e a possibilidade de gravar o som representaram uma dimensão diferente tanto na esfera da música chamada clássica quanto na popular. A confluência de culturas gerou uma explosão artística e comercial de estilos musicais muito influentes, como foi o jazz, e por volta dos anos 50, do rock e da música pop .

Este desenvolvimento tecnológico, cada vez mais acelerado, convertido durante o século XX deu um enorme impulso ao fato musical. Primeiro, a invenção do rádio, que trouxe a música para todos os cantos da sociedade.

Os novos meios de comunicação, com o apoio de novas tecnologias, iam desenvolvendo sistemas para registrar, captar, Reproduzir e distribuir música.

A comunicação musical já não se limitava à atuação ao vivo, mediante os concertos; existiam outros mecanismos para que os artistas se tornassem famosos e esta fama podia se espalhar mais rapidamente pelo mundo.

Além disso, as audiências foram expostas, mais do que nunca, a uma oferta mais ampla e diversificada de música. As atuações recebiam o apoio dos meios audiovisuais e a transmissão e gravação de vídeos de música enriquecia as possibilidades dos meios exclusivamente sonoros.

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