Steven Spielberg Producer

Steven Spielberg Producer

Nome completo: Steven Allan Spielberg
Nascimento: 18 de dezembro de 1946, Cincinnati, Ohio, EUA
Prêmios e Honrarias: Medalha Presidencial da Liberdade (2015), Kennedy Center Honors (2006), Oscar (1994, 1999), Prêmio Memorial Irving G. Thalberg (1987)

Steven Spielberg é um diretor e produtor de cinema americano cujos filmes diversos – que vão desde obras de ficção científica, incluindo clássicos como “Contatos Imediatos do Terceiro Grau” (1977) e “E.T. – O Extraterrestre” (1982), até dramas históricos, notadamente “A Lista de Schindler” (1993) e “O Resgate do Soldado Ryan” (1998) – desfrutaram tanto de popularidade sem precedentes quanto de sucesso crítico.

Início da Vida e Carreira

Spielberg desenvolveu interesse por cinema ainda criança, e durante sua adolescência, seu filme “Escape to Nowhere” (1962), um curta-metragem de 40 minutos sobre a guerra, ganhou o primeiro prêmio em um festival de cinema. Ele dirigiu em seguida “Firelight” (1964), uma ficção científica de longa-metragem, seguida por um curto-metragem sobre caronistas chamado “Amblin’” (1968). Um executivo da Universal Studios viu este último filme e ofereceu um contrato a Spielberg, que começou a trabalhar na divisão de televisão do estúdio após frequentar a California State College, Long Beach (agora California State University, da qual eventualmente recebeu um diploma de bacharel em 2002). Ele dirigiu episódios de várias séries de TV, notadamente “Columbo”, “Marcus Welby, M.D.” e “Owen Marshall: Counselor at Law”. Em 1971, ele fez seu primeiro filme para a televisão, “Duel”, um exercício tenso e quase claustrofóbico de psicose que foi mais intenso do que a programação típica da TV (foi lançado nos cinemas na Europa). O sucesso de “Duel” permitiu a Spielberg fazer filmes lançados nos cinemas, começando com “The Sugarland Express” (1974), uma comédia de perseguição com toques habilidosos de tragédia; foi ancorado pela atuação de Goldie Hawn.

Sucesso Comercial

Tubarão (Jaws)

O próximo filme de Spielberg, “Tubarão” (1975), estabeleceu-o como um diretor líder, e foi um dos filmes de maior bilheteria de todos os tempos. Apresentava Roy Scheider como o chefe de polícia de uma cidade resort que combate um tubarão-branco devorador de homens. Ao seu lado estavam Richard Dreyfuss como um biólogo marinho e Robert Shaw como um caçador de tubarões. O thriller altamente elogiado recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Filme, e sua trilha sonora ominosa de John Williams ganhou um Oscar. O filme praticamente criou o gênero de blockbuster de verão – grande filme cheio de ação lançado para uma audiência grata por estar em um cinema com ar-condicionado – e estabeleceu muitos dos pontos de referência do trabalho de Spielberg: um personagem principal ordinário mas simpático é iluminado através de um confronto com um ser ou força extraordinária que gradualmente se revela à medida que a narrativa se desenrola.

Spielberg então dirigiu o místico conto de ficção científica “Contatos Imediatos do Terceiro Grau” (1977), que ele também escreveu. Dreyfuss foi escalado como o protagonista, e ele entregou uma das melhores performances de sua carreira, como um operário de linha telefônica que encontra um objeto voador não identificado e subsequentemente se torna obcecado por OVNIs. Para o filme, Spielberg recebeu sua primeira indicação ao Oscar de Melhor Diretor. A cinematografia de Vilmos Zsigmond ganhou o único Oscar do filme, embora os efeitos especiais também tenham sido elogiados. Spielberg tornou-se apenas o segundo diretor na história a alcançar bilheterias consecutivas de US$ 100 milhões.

Após a decepcionante “1941” (1979) – que foi recebida como uma comédia sem graça, apesar da presença de John Belushi e Dan Aykroyd – Spielberg dirigiu “Os Caçadores da Arca Perdida” (1981), uma homenagem amorosa e experta (embora um pouco redundante) aos antigos seriados de aventura. O filme e suas sequências, que estrelavam Harrison Ford como o arqueólogo charmoso Indiana Jones, usavam uma cinematografia rica em cores, edição ágil, trilhas sonoras memoráveis e efeitos especiais inventivos para criar uma experiência cinematográfica que era tipicamente leve, mas altamente suspense. Spielberg recebeu sua segunda indicação ao Oscar de Melhor Diretor; o filme também foi indicado a Melhor Filme.

E.T.: O Extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial)

O próximo filme de Spielberg foi ainda mais bem-sucedido. “E.T.: O Extraterrestre” (1982) foi uma exploração comovente de um encontro alienígena que inteligentemente evitou a escala épica de “Contatos Imediatos” para o microcosmo de seu efeito em uma única família californiana. Henry Thomas entregou uma performance forte como o garoto que descobre e faz amizade com o alienígena perdido, e Dee Wallace interpretou sua mãe simpática. O filme também apresentou Drew Barrymore em um de seus primeiros papéis. Como a maioria dos filmes de Spielberg até aquele ponto, os efeitos especiais foram uma grande parte do apelo do filme – neste caso, o E.T. maravilhosamente articulado – mas foi o domínio de Spielberg sobre a emoção humana (e alienígena) que fez do filme um sucesso de bilheteria. Tanto Spielberg quanto o filme foram indicados ao Oscar, assim como o roteiro de Melissa Mathison, a cinematografia de Allen Daviau e a trilha sonora de Williams; apenas esta última ganhou.

Após dirigir “Indiana Jones e o Templo da Perdição” (1984), Spielberg adaptou o romance vencedor do Prêmio Pulitzer de Alice Walker, “A Cor Púrpura” (1985). O filme explora a vida quase insuportavelmente dura, mas ultimamente gratificante, de uma mulher afro-americana. O filme foi amplamente criticado por suavizar o elemento lésbico do romance, perpetuar estereótipos sobre homens negros e sentimentalizar a vida no Sul Profundo. No entanto, encontrou um público que apreciou o elenco – que incluía Whoopi Goldberg, Margaret Avery e Oprah Winfrey, todas indicadas ao Oscar – bem como o roteiro (de Menno Meyjes) e a trilha sonora (do coprodutor Quincy Jones), ambos também indicados ao Oscar. O filme recebeu uma indicação para Melhor Filme, mas Spielberg não conseguiu uma indicação ao Oscar, uma omissão que criou um pequeno escândalo na época. Mais importante, porém, Spielberg fez um dos poucos filmes de sucesso comercial sobre a experiência dos afro-americanos, pavimentando o caminho para que projetos semelhantes fossem aprovados.

Spielberg escolheu outro livro aclamado pela crítica como base de seu próximo filme. “Império do Sol” (1987), roteirizado por Tom Stoppard, foi uma recriação cuidadosamente detalhada do ambiente de um campo de prisioneiros da Segunda Guerra Mundial no romance autobiográfico de J.G. Ballard. Mas onde “A Cor Púrpura” conseguiu transmitir a verdade emocional, “Império do Sol” quase deixou a história de seu jovem protagonista (Christian Bale) se afogar sob uma onda de pirotecnia. Foi um fracasso de bilheteria. Spielberg encerrou os anos 1980 com “Indiana Jones e a Última Cruzada” (1989) e “Sempre” (1989), uma adaptação do filme de 1943 “A Guy Named Joe”. Embora “Indiana Jones” tenha sido um sucesso, “Sempre” não encontrou público.

A tendência de Spielberg para a narrativa ampla pode ter prejudicado suas tentativas de uma cinematografia mais complexa, e “A Cor Púrpura” e “Império do Sol”, na visão de muitos críticos, careciam de profundidade emocional ou percepção. No entanto, o comercialismo agressivo e o otimismo dos filmes de Spielberg se tornaram o estilo predominante em Hollywood no final do século 20. Sua influência pervasiva foi reconhecida em 1986 pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas quando ele foi homenageado com o Prêmio Irving G. Thalberg, dado por excelência em produção.

Os Anos 1990

Parque dos Dinossauros (Jurassic Park)

O filme de abertura de Spielberg na década de 1990 foi “Hook: A Volta do Capitão Gancho” (1991), uma releitura de “Peter Pan”, de J.M. Barrie. Apesar de um elenco que incluía grandes estrelas como Robin Williams e Julia Roberts, o filme foi um fracasso crítico e comercial. No entanto, Spielberg voltou à forma dramática com não um, mas dois lançamentos enormemente populares em 1993. O primeiro, “Jurassic Park: O Parque dos Dinossauros”, foi uma adaptação do best-seller de Michael Crichton (1990) sobre dinossauros recriados e descontrolados em uma ilha remota. Suas cenas de perigo são menos habilmente mescladas com atividades focadas nos personagens do que em “Tubarão”, mas a tecnologia é empregada com grande efeito, e há choques potentes suficientes para indicar que Spielberg ainda era um mestre do suspense digno de Alfred Hitchcock.

A Lista de Schindler (Schindler’s List)

O segundo filme de Spielberg de 1993, “A Lista de Schindler”, conta a história verdadeira de um grupo de judeus poloneses que evitaram os campos de extermínio nazistas com a ajuda do industrial alemão Oskar Schindler durante a Segunda Guerra Mundial. O drama – que contou com performances notáveis de Liam Neeson, Ben Kingsley e Ralph Fiennes – silenciou muitos dos críticos de Spielberg. Foi filmado com detalhes intransigentes em preto e branco, e ganhou a Spielberg seu primeiro Oscar de melhor diretor. Além disso, o filme arrecadou outros seis Oscars, incluindo melhor filme.

Em 1994, Spielberg se juntou aos magnatas da mídia Jeffrey Katzenberg e David Geffen para fundar um novo estúdio, DreamWorks, que foi particularmente bem-sucedido como criador de filmes de animação populares como “FormiguinhaZ” (1998), a série “Shrek” (2001, 2004, 2007 e 2010) e “Gato de Botas” (2011). Em 2006, os parceiros venderam a empresa para a Viacom por US$ 1,6 bilhão.

No front direto, “O Mundo Perdido: Jurassic Park” (1997) falhou em alcançar a grandiosidade de “Jurassic Park”, mas teve muitos momentos convincentes. Baseado em um best-seller de 1995 de Crichton, que supostamente escreveu o livro a pedido do próprio Spielberg, o filme repete a fórmula de “Jurassic Park” com um elenco amplamente novo – Julianne Moore, Vince Vaughn, Pete Postlethwaite e Arliss Howard – e o retorno de Jeff Goldblum, que novamente interpreta um cientista que sabe que essa manipulação da natureza para lucro é tanto vulgar quanto moralmente indefensável. Há inúmeros sustos, e os efeitos especiais dos dinossauros igualam aos do filme anterior.

“Amistad” (1997) encontrou Spielberg em modo de historiador social. O filme centra-se na revolta de escravos que ocorreu a bordo do navio negreiro espanhol Amistad em 1839 e no subsequente julgamento nos Estados Unidos, onde os escravos foram julgados por insurreição em alto mar, apenas para serem considerados pelo tribunal como vítimas de sequestro. Matthew McConaughey foi eficaz como advogado de defesa, e Anthony Hopkins recebeu uma indicação ao Oscar por seu papel chamativo como o ex-presidente dos EUA John Quincy Adams, que é importunado para defender os escravos perante a Suprema Corte. Como Cinque, o líder dos africanos, Djimon Hounsou deu uma performance memorável. O filme foi bem recebido pela crítica, mas fez apenas negócios modestos nas bilheterias.

O Resgate do Soldado Ryan (Saving Private Ryan)

Em 1998, Spielberg voltou à Segunda Guerra Mundial com “O Resgate do Soldado Ryan”. O drama é um dos pontos altos de sua carreira, sendo tanto elogiado quanto criticado por apresentar algumas das cenas de batalha mais realistas já filmadas em um filme de guerra de Hollywood. De particular destaque está a sequência de abertura de 27 minutos que retrata a invasão das tropas americanas na praia de Omaha no Dia D. Após essa sequência angustiante, o filme se estabelece em uma narrativa mais convencional enquanto um grupo de soldados busca um paraquedista chamado Ryan para extraí-lo do combate antes que ele seja morto, assim como seus três irmãos recentemente foram. Tom Hanks interpretou o Capitão John Miller, que lidera a missão, e o elenco forte também inclui Matt Damon no papel-título, junto com Tom Sizemore, Edward Burns, Barry Pepper, Adam Goldberg, Giovanni Ribisi, Ted Danson e Vin Diesel. “O Resgate do Soldado Ryan” foi indicado a 11 Oscars, incluindo melhor filme, e Spielberg ganhou seu segundo Oscar como melhor diretor. O filme foi o maior sucesso comercial de qualquer lançamento nos Estados Unidos naquele ano.

Os Anos 2000

“A.I. – Inteligência Artificial” (2001), baseado em um conto do autor britânico Brian Aldiss, foi um projeto concebido na década de 1970 por Stanley Kubrick, que, algumas 20 anos depois, ainda com o filme em estágios de planejamento, começou a pensar que Spielberg era um diretor mais provável. Após a morte de Kubrick em 1999, Spielberg foi abordado pelo espólio de Kubrick, e ele concordou em dirigir o projeto. Ele escalou Haley Joel Osment como David, um jovem robô humanoide que foi programado para expressar amor, e Jude Law apareceu como um robô prostituto masculino chamado Gigolo Joe. Seus destinos logo se entrelaçam e permanecem assim mesmo milhares de anos no futuro. A habilidade de Spielberg para a ficção científica ajudou a tornar o filme provocativo e frequentemente emocionante, mas seu tom inconsistente pode ser atribuído às sensibilidades duelantes de Spielberg e Kubrick.

Para o futurístico “Minority Report” (2002), Spielberg voltou-se para outro conto de ficção científica, desta vez de Philip K. Dick. Mas o que ele aspirava ia muito além do alcance da história de Dick. Tom Cruise interpretou John Anderton, chefe da divisão Pre-Crime do departamento de polícia de Washington, D.C., que depende de três seres mutantes, conhecidos como Pre-Cogs, que podem prever quais cidadãos estão prestes a cometer crimes violentos. Anderton é assombrado pela ausência de seu jovem filho, que desapareceu anos atrás e provavelmente está morto. Consumido pela culpa e agora divorciado, ele se entorpece tomando uma droga ilegal à qual se tornou viciado. Anderton enfrenta mais dificuldades com a chegada de um inspetor cínico (Colin Farrell) que tem preocupações sobre a integridade do departamento de Pre-Crime. Seu relacionamento tenso toma um rumo mortal quando Cruise é “visto” pelos Pre-Cogs cometendo um assassinato, motivo para prisão imediata. Para se salvar, Cruise sequestra o Pre-Cog principal (Samantha Morton) e foge, na esperança de resolver o mistério de por que ele foi visualizado como um assassino. “Minority Report” funciona tanto como um procedimento policial hard-boiled quanto como uma visão paranóica do futuro, e é uma das melhores adaptações da obra de Dick, embora apenas uma fração dela derive da história original. O filme foi um sucesso de bilheteria e crítica, embora as queixas sobre o final um tanto previsível não fossem incomuns.

O radicalmente diferente “Prenda-me Se For Capaz” também foi lançado em 2002, e foi ainda mais amplamente admirado. A biografia foi baseada nas memórias do extraordinário golpista Frank Abagnale Jr., que, como adolescente na década de 1960, enganou tanto pessoas quanto organizações, arrecadando milhões de dólares, posando como médico, advogado e até piloto da Pan Am. Ele também era um gênio na arte da falsificação, uma habilidade que eventualmente atraiu o FBI para seu rastro. Hanks foi altamente divertido como o agente federal incansável Carl Hanratty, que persegue Abagnale por anos e eventualmente forma um vínculo com seu alvo. Mas o filme pertence a Leonardo DiCaprio, que, como o precoce Abagnale, um criminoso carismático e simpático, deu uma de suas performances mais cativantes. Christopher Walken interpretou o pai desgraçado de Frank, e Amy Adams interpretou uma assistente de médico que Frank romanceia. Um sucesso crítico e comercial, o filme foi adaptado para um musical da Broadway bem recebido em 2011.

Em 2004, Spielberg dirigiu a comédia leve “O Terminal”. Hanks estrelou novamente, desta vez como Viktor Navorski, um visitante de um país fictício na Europa Central que aterrissa em um aeroporto de Nova York apenas para descobrir que a guerra civil em seu país invalidou seu passaporte, impedindo-o de entrar nos Estados Unidos. Como ele agora não pode retornar ao seu país devastado pela guerra, ele fica preso no aeroporto. Stanley Tucci interpretou um supervisor de alfândega impiedoso que faz de tudo para forçar Navorski a sair, enquanto uma visão mais simpática foi lançada por Catherine Zeta-Jones como uma comissária de bordo. O filme se parece com uma fábula, até o final feliz, embora tenha sido baseado em um incidente da vida real em que um homem ficou preso no Aeroporto Charles de Gaulle na França por 17 anos. Financeiramente, “O Terminal” foi provavelmente o filme menos bem-sucedido de Spielberg na década, e recebeu críticas mistas.

“Guerra dos Mundos” (2005) marcou o retorno de Spielberg ao território dos blockbusters no reino da ficção científica. Cruise emprestou seu poder de estrela para esta versão do clássico de H.G. Wells, que já havia sido adaptado em um filme altamente conceituado em 1953. Apesar de uma série de cenas eficazes, incluindo a cena de abertura – na qual trípodes alienígenas gigantes emergem debaixo das ruas da moderna Newark, Nova Jersey, para causar estragos na população após terem sido enterrados no subsolo por milhares de anos (um toque único na versão de Spielberg) – a abordagem do filme à história raramente gerou excitação em seu público, que pode ter sido preparado para mais ação do que assistir Cruise se esconder em uma casa de fazenda com um sobrevivente maluco (Tim Robbins). O filme foi um sucesso de bilheteria, embora algumas discordâncias críticas tenham sido registradas.

“Munich” (2005) foi um trabalho muito mais sério e controverso. Eric Bana estrelou como Avner, um agente do Mossad de Israel que é solicitado pela Primeira-Ministra Golda Meir a liderar uma equipe de assassinos cuja missão é caçar e executar os terroristas palestinos responsáveis por matar 11 israelenses nas Olimpíadas de 1972 em Munique. Avner renuncia ao Mossad (para garantir a total negação) e monta uma equipe de especialistas em explosivos, falsificação de documentos e outras habilidades que começam a procurar seus alvos. Daniel Craig, Ciarán Hinds, Hanns Zischler e Geoffrey Rush (como o manipulador de Avner) são apenas alguns membros do elenco internacional. A força do filme também é sua fraqueza: sua atenção meticulosa aos detalhes e verossimilhança, que exigem respeito, mas podem esgotar os espectadores. “Munich” foi nomeado um dos melhores filmes do ano por vários críticos, apesar dos debates acalorados – muito pró-Israel para alguns, muito anti-Israel para outros – que cercaram seu lançamento. O filme foi indicado ao Oscar de Melhor Filme, e Spielberg recebeu outra indicação de Melhor Diretor.

Feito 19 anos após “Indiana Jones e a Última Cruzada”, o próximo filme de Spielberg, “Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal” (2008), foi ambientado em 1957, com Harrison Ford (agora robusto com 64 anos) repetindo seu papel característico como o professor e aventureiro extraordinário Indiana Jones. Desta vez, ele se desentende com a União Soviética, cujos agentes querem que ele localize uma antiga caveira de cristal que, segundo a lenda, possui poderes psíquicos. Shia LaBeouf interpretou Mutt, um durão motociclista que acaba sendo filho de Indy por meio do personagem de Karen Allen, Marion, do primeiro filme de Indy. Allen retorna após sua ausência de 37 anos da série para um bom efeito, acompanhada por Cate Blanchett como uma agente russa mortal e Ray Winstone como um agente britânico que secretamente está a serviço dos soviéticos e trai Indy. Deliberadamente feito com um estilo retrô, o filme encontrou favor com o público, tornando-se o terceiro maior filme nas bilheterias naquele ano.

Os Anos 2010 e Além

As Aventuras de Tintim (The Adventures of Tintin)

“As Aventuras de Tintim” (2011) foi uma adaptação da longa série de quadrinhos criada pelo artista francês Hergé. O personagem Tintim fascinava Spielberg há muito tempo, que adquiriu os direitos do filme da viúva de Hergé no início dos anos 1980, apenas para vê-los expirarem quando o projeto falhou em se desenvolver. Mas com o cineasta Peter Jackson, que atuou como produtor, Spielberg conseguiu tirar o projeto do papel cerca de 20 anos depois. Ele e Jackson decidiram utilizar uma técnica de captura de movimento (como Jackson havia usado para o personagem Gollum em sua trilogia “O Senhor dos Anéis”) em vez de ação ao vivo ou animação pura. A recepção do filme tanto nas bilheterias quanto pelos críticos foi pouco mais que medíocre nos Estados Unidos, embora na Europa, onde Tintim era muito mais familiar, tenha se saído melhor.

Em 2011, Spielberg dirigiu outra adaptação, “Cavalo de Guerra” (War Horse). O drama foi baseado em uma peça popular da Broadway, que por sua vez foi desenvolvida a partir de um romance infantil de 1982 de Michael Morpurgo. A história começa pouco antes do início da Primeira Guerra Mundial, quando um cavalo chamado Joey é vendido a um oficial de cavalaria pelo pai do jovem dono do cavalo, Albert, para comprar comida. O oficial promete a Albert que devolverá Joey ao final da guerra, mas logo é morto, e Joey cai nas mãos de uma sucessão de novos donos. Albert, que era jovem demais para se alistar no início da guerra, finalmente chega aos campos de batalha, e após um enorme esforço, ele encontra o agora ferido Joey e o salva de ser abatido. O filme carregava altas expectativas, dado seu pedigree da Broadway e a reputação de Spielberg, e foi indicado ao Oscar de Melhor Filme. No entanto, recebeu uma resposta morna dos espectadores.

Lincoln

Em 2012, Spielberg lançou “Lincoln”, com um roteiro de Tony Kushner. Baseado em parte no estudo de Doris Kearns Goodwin, “Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln” (2006), o filme narra a política tensa que precedeu a aprovação da Décima Terceira Emenda, que formalmente aboliu a escravidão, nos últimos meses da Guerra Civil. Com Daniel Day-Lewis como Abraham Lincoln, o filme de Spielberg captura a complexa psicologia do presidente, uma mistura de bom humor e desespero cínico. Embora alguns críticos tenham reclamado que tomou algumas liberdades históricas e subestimou o papel dos abolicionistas fora do Congresso, o filme desfrutou de sucesso nas bilheterias. Também recebeu 12 indicações ao Oscar, incluindo melhor filme e diretor.

Ponte dos Espiões (Bridge of Spies)

Spielberg dirigiu então o drama da Guerra Fria “Ponte dos Espiões” (2015), escrito pelos irmãos Coen e Matt Charman. Retratando eventos históricos, o filme contou com Tom Hanks como o advogado civil James B. Donovan, que em 1957 foi chamado para defender o espião soviético Vilyam Genrikhovich Fisher, conhecido pelo codinome Rudolf Abel (Mark Rylance). Quando o piloto americano Francis Gary Powers foi capturado pelos soviéticos em 1960, Donovan foi recrutado pela CIA para negociar uma troca de prisioneiros em Berlim Oriental dois anos depois. O filme foi aclamado por seu enredo tenso e retratos bem delineados.

O Bom Gigante Amigo (The BFG)

“O Bom Gigante Amigo” (2016) é uma adaptação de um amado livro infantil de Roald Dahl. O filme contou com Rylance como o “grande gigante amigo” titular. Embora seus colegas gigantes prefiram se alimentar de crianças humanas e causar estragos, o BGA (chamado Runt) subsiste de vegetais e passa seus dias elaborando sonhos e suas noites entregando-os a pessoas adormecidas. Quando Sophie, uma jovem órfã, o vê uma noite, ele a leva consigo de volta ao País dos Gigantes, onde enfrentam um grupo de antagonistas colossais.

The Post: A Guerra Secreta (The Post)

Em 2017, Spielberg voltou aos eventos históricos com “The Post: A Guerra Secreta”, um drama bem-recebido sobre a publicação dos Documentos do Pentágono, um estudo secreto do Departamento de Defesa sobre a Guerra do Vietnã. Tanto o “The New York Times” quanto o “The Washington Post” tiveram posse dos documentos em 1971, e o filme segue os esforços do segundo para publicar o material. Hanks estrelou como Ben Bradlee, editor-executivo do “The Washington Post”, e Meryl Streep foi escalada como a proprietária do jornal, Katharine Graham.

Jogador Número 1 (Ready Player One)

Spielberg fez seu retorno à narrativa de ficção científica após uma ausência de 13 anos com “Jogador Número 1” (2018). O filme se passa em um distópico 2045, quando os habitantes de uma Terra em declínio encontram refúgio no excitante mundo virtual do OASIS. Segue Wade Watts, um adolescente amante dos anos 1980, enquanto seu avatar compete com outros usuários para encontrar o tesouro escondido pelo inventor da simulação.

Amor, Sublime Amor (West Side Story)

O próximo filme de Spielberg, “Amor, Sublime Amor” (2021), marcou sua primeira incursão em musicais. Embora baseado em uma produção teatral e em um filme bem-sucedidos, sua adaptação foi elogiada por sua nova abordagem à história de amantes desafortunados na cidade de Nova York em 1957. Tony Kushner escreveu o roteiro, enquanto o coreógrafo Justin Peck providenciou novas danças. “Amor, Sublime Amor” recebeu várias indicações ao Oscar, incluindo a oitava indicação de Spielberg para melhor diretor.

Os Fabelmans (The Fabelmans)

Em 2022, Spielberg lançou “Os Fabelmans”, um filme semi-autobiográfico inspirado em sua própria família. A comédia dramática centra-se em um aspirante a cineasta chamado Sammy, que é incentivado por sua mãe de espírito livre (Michelle Williams) mas cujo pai (Paul Dano), um talentoso engenheiro de computação, não é tão favorável. Enquanto Sammy se envolve com filmes, o casamento de seus pais lentamente desmorona. “Os Fabelmans”, co-escrito por Spielberg e Kushner, foi amplamente aclamado. Recebeu uma indicação ao Oscar de melhor filme, e Spielberg ganhou sua nona indicação para melhor diretor. Além disso, ele obteve sua primeira indicação para melhor roteiro original.

Além de seus Oscars, Spielberg foi o destinatário de inúmeras honras. Em 2015, ele recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade. Sua vida e carreira são tema do documentário da HBO “Spielberg” (2017).